Die Grammys

Fotos: Justin Shin/Getty Images, Just Kidding Limited, Justin Shin/Getty Images, Victor Boyko/Getty Images für Miu Miu, Frank Hoensch/Redferns

Liste

Während viele wahrscheinlich mit großen Namen im K-Pop wie BTS, BLACKPINK und NCT 127 vertraut sind, gibt es in den asiatischen Inhalten eine Fülle ebenso aufregender Pop-Acts. Lesen Sie weiter und erfahren Sie mehr über 10 Künstler aus China, Japan, Vietnam und darüber hinaus, die einen Besuch wert sind.

In den letzten Jahren hat die Musikindustrie große Fortschritte gemacht, wenn es darum geht, Künstlern asiatischer Herkunft eine Plattform zu bieten. Bei den diesjährigen Oscars wurde „Naatu Naatu“ aus dem Film RRR als erster indisch-telugusprachiger Song als bester Originalsong ausgezeichnet. Bei Coachella schrieb Diljit Dosanjh Geschichte als erster südasiatischer Künstler, der in Punjabi auftrat; BLACKPINK war die erste K-Pop-Gruppe überhaupt, die als Headliner auf dem legendären Musikfestival auftrat.

Solche Erfolge haben lange auf sich warten lassen. Asiatische Musiker haben lange mit der Mainstream-Unterhaltung zu kämpfen und sind oft mit Stereotypen, Exotik und Andersartigkeit konfrontiert. Einige Studien deuten darauf hin, dass ostasiatische Künstler bei ihrem Musizieren stärker diskriminiert werden, wobei viele ihren Stil als weniger ausdrucksstark einstufen als kaukasische Künstler. Und obwohl viel Arbeit geleistet wurde, um diese Ansichten zu ändern, muss noch mehr getan werden.

Asiatische Künstler auf der ganzen Welt sind für einige der aufregendsten und vielseitigsten Musikstücke verantwortlich, die heute veröffentlicht werden. Während viele wahrscheinlich mit K-Pop-Namen wie BTS, BLACKPINK und dem Rapper Jackson Wang vertraut sind, gibt es viele andere unterschätzte Pop-Künstler aus ganz Asien. Von Korea, Thailand, Hongkong, China, Japan bis Vietnam sind unten 10 Künstler aufgeführt, die es wert sind, angeschaut zu werden.

Seit seinem Debüt im Jahr 2013 erobert der südkoreanische Singer/Songwriter Car, The Garden mit seiner heiseren, gefühlvollen Stimme und seinen Wohlfühlsongs die Herzen des Publikums. Nachdem er unter seinem früheren Künstlernamen Mayson the Soul eine EP und mehrere Singles veröffentlicht hatte, änderte der Sänger seinen Namen in Car, The Garden, was eine Interpretation seines richtigen Namens ist (sein Nachname Cha ist ein Homonym von „car“ und seinem Vornamen). Name „Jung-won“ bedeutet Garten).

Seine Originallieder sind in koreanischen Fernsehserien und internationalen Filmen zu hören. „Romantic Sunday“, das er für die erfolgreiche K-Rom-Com-Serie „Hometown Cha-Cha-Cha“ aus dem Jahr 2021 schrieb, ruft in ähnlicher Weise Gefühle der Fröhlichkeit, des Glücks und der Unbeschwertheit hervor. Seine neueste Single „Home Sweet Home“ wurde für den gefeierten kanadischen Film „Riceboy Sleeps“ geschrieben, in dem es um eine südkoreanische alleinerziehende Mutter geht, die ihr Leben in die kanadischen Vororte verlässt, um ihrem Sohn ein besseres Leben zu ermöglichen.

Die chinesische Sängerin Lexie Liu überschreitet seit langem kulturelle Grenzen. Liu ist dafür bekannt, in ihrer Musik Elemente aus Elektropop, Cyberpunk, Hip-Hop und Rock zu vermischen. Sie singt auch auf Englisch, Mandarin und Spanisch. Liu integrierte Spanisch in ihr Debüt-Studioalbum „The Happy Star“, nachdem sie einen ihrer Songs in der spanischen Netflix-Serie „Elite“ gehört hatte.

Als unabhängiger Künstler hätte Lius Karriere ganz anders ausgehen können. Mit 17 Jahren belegte sie in der südkoreanischen Reality-Wettbewerbsserie „K-Pop Star 5“ den vierten Platz. Letztendlich beschloss sie, die Chance, ein K-Pop-Idol zu werden, aufzugeben, um mehr Freiheit beim Schreiben und Produzieren ihrer eigenen Songs zu haben.

Heute geht ihr cooler, mädchenhafter und kantiger Stil über die Musik hinaus. Seitdem ist sie auch ein Liebling der Modewelt und modelt und arbeitet mit Marken wie Miu Miu, Chanel und Yves Saint Laurent zusammen.

Während Idol-Gruppen in Japan und Korea beliebt sind, hat BGYO auf den Philippinen neu definiert, was es bedeutet, eine Boyband zu sein. Die fünfköpfige Boygroup wurde 2018 gegründet, nachdem der philippinische Privatsender ABS-CBN seine Star Hunt Academy ins Leben gerufen hatte, ein Programm, das philippinische Talente dem internationalen Markt vorstellen soll. Nach der Ausbildung in einem Programm, das dem K-Pop-Traineesystem in Südkorea ähnelt, feierte BGYO 2021 sein offizielles Debüt.

Der Name der Gruppe, die als „Aces of P-Pop“ bezeichnet wird, ist ein Akronym für „Becoming the Change, Going Further, You and I, Originally Filipino“. Das Quintett vermischt Elemente aus Pop und R&B und führt seine Musik und seinen Stil auf seine philippinischen Wurzeln zurück. Die Texte von BGYO konzentrieren sich auf soziale Themen, die für Jugendliche relevant sind, wie Selbstliebe, Selbstbestimmung und Hoffnung. Ihre Debütsingle „The Light“ machte die Gruppe zum fünften philippinischen Künstler, der jemals in den Billboard Next Big Sound-Charts auftauchte und auf Platz 2 debütierte. BGYO krönte ihr Debütjahr mit mehr als 10 Millionen Streams auf Spotify und 12 Millionen Views Youtube.

So!YoON!, geboren als Hwang So-yoon, ist eine Alternative-Pop-Sängerin, Songwriterin und Gitarristin, die für ihren kraftvollen, rauen Gesang bekannt ist. Bevor sie eine Solokarriere startete, gründete sie im Alter von 18 Jahren die Band SE SO NEON – die aufgrund ihrer Mischung aus Rockriffs, R&B-Sounds und luftigen Synthesizern zu einer der renommiertesten Indie-Gruppen Südkoreas wurde.

Anfang dieses Jahres hat So!YoON! veröffentlichte ihr zweites Studioalbum Episode1: Love, das sich mit den Themen Liebe, Verlangen und Selbstreflexion beschäftigt. In der Lead-Single „Smoke Sprite“ ist der BTS-Rapper RM zu hören. Über dem körnigen Klang schmuddeliger Gitarren begleitet das sinnliche Lied zwei Liebende, die sich in der Kluft zwischen Traum und Realität gegenseitig zurufen. Der Track ist mühelos cool und beschreibt perfekt den einzigartigen Sound und Stil von So!YoON!.

PRETZELLE ist eine thailändische Pop-Girlgroup, die das T-Pop-Genre schnell auf den internationalen Markt bringt. Der Name des Quartetts ist von der Unendlichkeitsform der Brezel inspiriert, denn sie symbolisiert Glück und Genuss.

Im vergangenen Januar veröffentlichte PRETZELLE das selbstbewusste und selbstbewusste Liebeslied „UR MINE“, in dem sich die Mitglieder einem romantischen Partner zutiefst hingeben und keine Konkurrenz von außen um ihre Zuneigung wollen. Die Mitglieder Inc, Ice, Aumaim und Grace waren alle am Schreibprozess beteiligt und engagierten Shin BongWon (bekannt für die Arbeit an „Ditto“ der K-Pop-Gruppe NewJeans), um den Song zu mischen. Seitdem wurde der Song insgesamt über 161 Millionen Mal auf Streaming-Plattformen wie YouTube, Apple Music, Spotify und TikTok gestreamt.

Seit ihrem Debüt im Jahr 2020 ist die Musik von PRETZELLE auch in einer Reihe von Original-Soundtracks zu hören, darunter im thailändischen TV-Drama „Love Revolution“ und im koreanischen Zeichentrickfilm „Teteru“. Die Gruppe hat auch eine solide Fangemeinde gefunden, die liebevoll Twist genannt wird.

Die Frontfrau der koreanischen Indie-Rockband The Volunteers ist auch eine Singer/Songwriterin, deren Stimme Sie vielleicht in K-Drama-Soundtracks gehört haben. Baek Yerins Originalballade „Here I am Again“ wurde in „Crash Landing on You“ vorgestellt und erreichte Platz 6 der Billboard K-Pop Hot 100-Charts. Bekannt für ihren süßen und zarten Gesang, wird Baek zugeschrieben, dass sie die meisten ihrer Lieder komponiert hat, in denen sie oft Erfahrungen aus dem wirklichen Leben berührt.

Sie debütierte zunächst beim großen südkoreanischen Label JYP Entertainment als Teil des Duos 15& mit Sänger Jamie (auch bekannt als Park Ji-min) und gründete 2019 ihr eigenes unabhängiges Label Blue Vinyl. Die 25-Jährige schreibt in Koreanisch und Englisch, wobei Amy Winehouse, Oasis und Rage Against The Machine zu ihren größten Einflüssen zählen. Yerin hat auch für Künstler wie Chungha, Soyou und Yeonsoo geschrieben.

Der thailändische Indie-Sänger/Songwriter Phum Viphurit gelangte 2018 erstmals mit dem luftigen Sommersong „Lover Boy“ zu internationaler Berühmtheit und hat seitdem in seinem Heimatland sowie in Südkorea, Indien, Japan und Hongkong eine treue Fangemeinde aufgebaut. Viphurit schreibt auf Englisch und vermischt Elemente aus Surf-Rock, Pop und Neo-Soul in seinen Gitarrenriffs und Melodien.

Der 27-Jährige zog im Alter von 9 Jahren nach Neuseeland und kehrte dann zum Studium nach Thailand zurück. Viphurit erlangte mit seinen Original- und Coversongs auf YouTube viralen Ruhm und unterschrieb beim Indie-Label Rats Records. Während Viphurits Lieder oft aufmunternd sind (wie etwa „Welcome Change“ aus dem Jahr 2022), spricht er in Liedern wie „Hello Anxiety“ aus dem Jahr 2019 auch offen über seine eigenen psychischen Probleme.

Fans der „Full House“-TV-Reihe erkennen vielleicht Sexy Zone wieder, die japanische Boyband, die 2018 einen kurzen Auftritt bei „Fuller House“ hatte. Doch Sexy Zone ist seit 2011 eine aktive Gruppe und veröffentlichte acht Studioalben und zahlreiche Nr. 1 Treffer in Japan.

Mit einem Namen, der von Michael Jacksons „Sexiness“ und hellen und farbenfrohen Konzepten inspiriert ist, kann die Musik von Sexy Zone sicherlich mit den eingängigen Bubblegum-Pop-Hits verglichen werden, die oft im K-Pop zu hören sind. Die auffälligen Kostüme der Mitglieder, die synchronisierte Choreografie und die charmanten Persönlichkeiten haben der Gruppe geholfen, eine treue Fangemeinde zu gewinnen, die „Sexy Lovers“ genannt wird.

Tyson Yoshi, geboren als Ben Ching Tsun Yin, ist einer der bekanntesten Hip-Hop-Künstler Hongkongs und verzeichnet mehr als 46 Millionen Aufrufe auf YouTube und mehr als 247.000 monatliche Hörer auf Spotify mit Streams aus mehr als 100 Ländern. Während Balladen oft die Musikszene Hongkongs dominierten, repräsentiert Yoshi in seiner Heimatstadt eine neue Art zeitgenössischer Künstler. Seine Musik vereint Elemente aus Trap, Pop, Hip-Hop und R&B, während er auf Kantonesisch, Mandarin und Englisch singt.

Während die Hongkonger Gesellschaft typischerweise konservativere Stile und Erscheinungen bevorzugt, fällt Yoshi durch seine gebleichten, bunten Haare und Tätowierungen auf. Er hat sich eine Fangemeinde aufgebaut, in der es darum geht, verstanden zu werden und sich mit Stereotypen auseinanderzusetzen, beispielsweise in „I Don't Smoke & I Don't Drink“. Als er an der Universität begann, sich mit dem Songwriting zu beschäftigen, ließ er sich von Künstlern wie Avril Lavigne, Justin Bieber und den Pop-Punk-Bands Sum 41 und Simple Plan inspirieren.

MIN erlangte zunächst als Teil der Tanz- und Musikgruppe St.31 Popularität und wurde schließlich zu einer der besten Solistinnen Vietnams. Erfolg hatte sie 2017 mit ihrer Midtempo-Pop-Single „Có em chờ“ mit dem Rapper MR.A. Später in diesem Jahr erschien ihr EDM-inspirierter Track „Ghen“ mit ERIK von der V-Pop-Boyband MONSTAR.

MINs Bekanntheit wuchs international weiter, nachdem die vietnamesisch-amerikanische Sängerin Thuy sie bat, vietnamesische Texte für einen Remix ihrer viralen Single „Girls like me don't cry“ zu singen. Über die Zusammenarbeit mit MIN schrieb Thuy auf YouTube, dass es „für mich so wichtig ist, zwei knallharte vietnamesische Frauen von entgegengesetzten Enden der Welt ZUSAMMEN zu zeigen.“

Feiern Sie den AAPI-Monat 2023 mit einer genreübergreifenden Playlist mit BLACKPINK, Yaeji, Olivia Rodrigo und mehr

Yuna

Foto: Timothy Norris/Getty Images

Nachricht

Während das AAPI-Erlebnis viel umfangreicher ist, als vier Buchstaben fassen können, bietet der AAPI Heritage Month reichlich Gelegenheit, die unendlichen Weiten dessen zu erkunden, was asiatische, asiatisch-amerikanische und pazifische Inselkunst sein kann – und diese Playlist kann Ihr Soundtrack sein

Die Erfahrung, asiatisch-amerikanischer Abstammung zu sein und/oder pazifischer Insulaner zu sein, kann nicht in einem Wort, einer Phrase oder einem Unternehmensslogan zusammengefasst werden. Jedes Universum enthält unzählige Mikrouniversen; Unter dem Mikroskop tauchen noch mehr Identitäts- und Gefühlsbereiche auf.

Dennoch ist es die Pflicht eines jeden von uns, die Beiträge der AAPI-Künstler (Asian American and Pacific Islander) anzuerkennen und zu schätzen, auch wenn der Dialog und die Selbstbeobachtung, die der Begriff mit sich bringt, astronomisch größer sind, als vier Buchstaben fassen können.

GRAMMY.com ist stolz darauf, eine Playlist für den Asian American and Pacific Islander Heritage Month 2021 zu kuratieren. Das Ergebnis ist unabhängig von Genre oder Rassenidentität innerhalb der Diaspora der asiatischen und pazifischen Inselbewohner eine klangliche Tour durch völlig unterschiedliche Genres: Pop, Jazz, Klassik und darüber hinaus. Wir haben auch Zitate von Künstlern und Mitarbeitern der Recording Academy zusammengestellt, die sich selbst als AAPI bezeichnen.

Das Ziel dieser Playlist besteht nicht darin, Künstler aufgrund ihres Aussehens oder ihrer wahrgenommenen Rassenabstammung künstlich aneinanderzureihen. Es soll vielmehr zeigen, wie Künstler in der AAPI-Welt mehr Musikstile bereichert haben, als wir zählen können.

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Auswahl von Mitarbeitern der Recording Academy von AAPI Descent

Kobukuro – „Winding Road“Golden – „Hate Everything“Lee Hong Gi – „Still“

„Ich finde es toll, dass uns dieser Monat eine zusätzliche Plattform bietet, um die APIDA-Community zu feiern. Die asiatisch-amerikanische Erfahrung ist voller Komplexität und Reichtum, daher bin ich dankbar, dass wir durch Essen etwas Licht ins Dunkel bringen konnten.“ Musik und Kunst, Geschichte, Interessenvertretung und ein gesteigertes Gemeinschaftsgefühl. Ich freue mich immer darauf, die Energie über diesen Monat hinaus aufrechtzuerhalten!“ –Taylor Kimiko Saucedo, Projektmanagerin für Ticketing und Veranstaltungsbetrieb, Produktionsabteilung

BTS – „Butter“Stray Kids – „Back Door“Eric Nam – „Honestly“Radwimps – „Nandemonaiya“Pierre Fitz – „T'lah Berubah“Gabe Bondoc – „Filler“

„Ich bin unserer Gemeinschaft und allen, die sie in diesem Monat und außerhalb dieses Monats unterstützen, so dankbar. Meine philippinische Kultur war schon immer ein Teil von mir, und obwohl ich immer versuche, sie in allem, was ich tue, zum Ausdruck zu bringen, ist dies der Fall.“ Monat fühle ich mich herzlicher willkommen, es zu zeigen! In diesem Monat möchte ich auch alle dazu ermutigen, lokale asiatische Unternehmen zu unterstützen; nicht nur sie sind von COVID betroffen, sondern auch die asiatischen Unrechtstaten, die auf der ganzen Welt geschehen.“ – Thea Marvic A. Domingo, Koordinatorin des Executive Office

Rina Sawayama – „Bad Friend“Mitski – „Your Best American Girl“Yuna – „Dance Like Nobody's Watching“HER – „Focus“Suzuki Saint – „Sunday“Japanisches Frühstück – „Be Sweet“

„Um ehrlich zu sein, bin ich es gewohnt, dass der AAPI-Monat von Nicht-AAPI-Unternehmen ignoriert wird, daher war es etwas seltsam, dieses Jahr so ​​viel darüber zu sehen. Ich bekomme Werbe-E-Mails von Unternehmen, die AAPI-eigene Produkte usw. hervorheben. Ich habe das Gefühl, dass die zunehmende Feier des AAPI-Monats leider mit der Zunahme von Hassverbrechen gegen AAPI-Personen zusammenhängt, und daher habe ich gemischte Gefühle diesbezüglich – nicht wegen des Monats selbst, sondern wegen der Tatsache, dass Nicht-AAPI-Leute es plötzlich anerkennen, wenn sie es tun nicht vorher. – Jane Kim, Koordinatorin

Crush + Pink Sweat$ – „I Wanna Be Yours“DPR Live – „Cheese & Wine“Phum Viphurit – „Lover Boy“NIKI – „Indigo“Rich Brian – „Kids“

„Ich freue mich, dass viele Menschen diesen Monat für die asiatisch-amerikanische Kultur geworben haben! Von Essen und Sprachen bis hin zu ernsteren Themen wie Diskriminierung und #StopAsianHate waren es ein paar aufschlussreiche Wochen.“ —Chris Chhoeun, Buchhalter, Geschäftsangelegenheiten

Zitate von Künstlern mit AAPI-Abstammung

Joey Alexander – „Under The Sun“

„Während es in der asiatischen Kultur oft üblich ist, angesichts von Widrigkeiten zu schweigen, ist es ermutigend zu sehen, wie sich alle asiatischen Gemeinschaften zusammengeschlossen haben, um sich gegen die Gewalt auszusprechen, die unseren Ältesten, Brüdern und Schwestern nicht erst in letzter Zeit, sondern nicht erst kürzlich zugefügt wurde systematisch aufgrund unseres Aussehens. Ich hoffe auf eine Zukunft der Harmonie, in der es einen offenen Dialog über unsere kulturellen Unterschiede gibt und darüber, wie wir als Menschen alle nach Frieden, Glück und Wohlstand streben. – Joey Alexander

Lesen Sie: Joey Alexander über die Vorherrschaft des Blues, den Aufbau langlebiger Melodien und seine neue Single „Under The Sun“

Vijay Iyer Trio – „Children of Flint“

„Es ist nicht so, dass ein bestimmtes Album politisch ist, aber in fast jedem Moment meines Musiklebens höre ich zu, was draußen passiert, und das bestimmt, was ich tue, warum ich es mache und mit wem ich es mache. Und für wen.“ Ich mache es. Die ersten beiden Stücke des Albums [Uneasy 2021] sind wahrscheinlich die „politischsten“. Aber es ist eher so, als ob jeder von ihnen einem bestimmten Zweck diente – einer bestimmten Sache. Und mit dienen meine ich im wahrsten Sinne des Wortes dienen. Der Versuch, eine bestehende Bewegung vor Ort zu unterstützen.“ –Vijay Iyer im Gespräch mit GRAMMY.com im Jahr 2021

Bhi Bhiman – „Zauberteppichfahrt“

„Ich freue mich, das zu sehen. Ich denke, es ist wichtig für die jüngere Generation von Kindern – asiatische Kinder, aber vielleicht noch wichtiger, nicht-asiatische Kinder – zu erkennen, dass wir nur ein normaler Teil des Landes sind. Das tun wir nicht.“ Wir benötigen spezielle Bereiche für unsere Filme auf Netflix oder eine vorübergehende Präsentation auf den Websites von Unternehmenseinzelhändlern. Wir möchten einfach mit dem gleichen Respekt behandelt werden wie unsere europäisch-amerikanischen Kollegen in realen Situationen. Wir möchten anhand des Inhalts unseres Charakters beurteilt werden , nicht die Farbe unserer Haut. Aber es gibt in Amerika einige starke Stereotypen über Asiaten und in meinem Fall über Inder. Meine Eltern stammen aus Sri Lanka, das am Rande des indischen Subkontinents liegt. Als Musiker bin ich Leider sind wir oft auf der falschen Seite bewusster und unbewusster Voreingenommenheit. Das Schicksal des ewigen Ausländers besteht darin, dass unsere Supermacht vor den Augen der Öffentlichkeit unsichtbar ist. Das kann eine Herausforderung sein, besonders wenn ich weiß, dass ich in dem, was ich tue, zu den Besten da draußen gehöre Aber ich liebe es zu sehen, wie Menschen ihr Erbe und ihre Kultur annehmen und stolz darauf sind. Ich sehe, wie sich die Welt verändert und Stereotypen verschwinden, was eine gute Nachricht für die nächste Generation ist.“ – Bhi Bhiman

Yo-Yo Ma – „Amazing Grace (Vorspiel)“

„Ich schätze die Perspektive, die die Zeit bieten kann, ebenso wie unterschiedliche Disziplinen. Wir können uns selbst biologisch betrachten. Wenn wir uns genetisch betrachten, werden die großen Abgründe der rassisch-ethnischen Unterschiede winzig.“ – Yo-Yo Ma, im Gespräch mit GRAMMY.com im Jahr 2021

Jihye Lee – „Kampf gibt dir Kraft“

„Ich schätze die vielen Organisationen, die den AAPI-Monat feiern, aufrichtig. Ich freue mich sehr, dass einige der asiatischen Musiker, darunter auch ich selbst, besondere Aufmerksamkeit erhalten Ich möchte nur als Komponistin gesehen werden. Den Namen Toshiko Akiyoshi höre ich nur wegen meiner ethnischen Zugehörigkeit als Vergleich. Auch wenn ich großen Respekt vor ihr habe, glaube ich nicht, dass es meine Musik ist, die sie an Toshiko erinnert, sondern mein Aussehen – Und ich bin nicht einmal Japanerin. Vielleicht möchten die Leute Musikern, die sie kennen, dieselbe Hautfarbe geben, weil das eine nette und freundliche Geste ist, so wie ich „Ni hao“ auf der Straße höre – und ich bin keine Chinesin. Ich bin eine asiatische Frau Komponist, aber wenn es um Musik geht, wünsche ich mir, dass meine Musik ohne Vorurteile gehört wird, und ich wünsche mir, dass sich die AAPI-Unterstützung auf unsere Werke konzentriert – und nicht darauf, asiatisch zu sein. Wir sind gerade dabei, Veränderungen vorzunehmen, und ich hoffe auf diese Bemühungen Führe uns in eine Welt, die das Wort AAPI nicht braucht.“ – Jihye Lee

Jen Shyu – „Klagelieder für Breonna Taylor“

„Ich bin ein Künstler, der meine Abstammung wirklich annimmt. Ich gehe tief in sie hinein. Das ist mein Weg. Aber ich weiß, wie frustrierend es für andere asiatische Künstler sein muss, wenn die Leute das von ihnen erwarten. Sie wollen einfach nur Musik machen, du.“ Weißt du? Es geht einfach darum, der andere zu sein. Ich habe mich nie davon abhalten lassen, weil ich so hartnäckig bin. Ich gehe einfach vorwärts.“ – Jen Shyu im Gespräch mit GRAMMY.com im Jahr 2021.

Tomoko Omura – „Die Rache des Kaninchens“

„Das sind Geschichten, mit denen man sich identifizieren kann, diese Volksmärchen. Sie wurden schon vor langer Zeit aus Gründen erzählt, nicht wahr? Weil wir letzten Endes Menschen sind. Diese Volkslieder und Volksmärchen für Kinder haben so lange überlebt, weil die Die Botschaften sind stark. Ich denke, es ist eine großartige Möglichkeit, uns als Menschen zu verbinden.“ – Tomoko Omura im Gespräch mit GRAMMY.com im Jahr 2021.

Min Xiao-Fen – „Annica (Vergänglichkeit)“

„Diese Welt ist klein, wissen Sie? Die Menschen sollten aufgeschlossen sein.“ – Min Xiao-Fen im Gespräch mit GRAMMY.com im Jahr 2021.

Weitere Künstlerauswahl von Mitarbeitern der Recording Academy

Jay Som – „Tenderness“Mxmtoon – „Creep“Tyler Shaw – „North Star“Steve Aoki feat. BTS – „Waste It On Me“TOKiMONSTA – „Bibimbap“Giraffage feat. Japanisches Frühstück – „Maybes“RayRay – „Outer Space“Yaeji – „Raingurl“Peggy Gou – „It Makes You Forget (Itgehane)“

„Da ich selbst eine farbige Person bin, kenne ich den Kampf, mich in meinem eigenen Heimatland fremd zu fühlen oder „anders“ zu sein. Ja, ich entstamme zweier Abstammungslinien, aber ich bin ebenso Amerikaner wie Mexikaner. Ich spüre die Notlage von meine AAPI-Brüder, -Schwestern und nicht-binären Freunde in dieser schwierigen, beängstigenden Zeit. Und während wir den ganzen Monat über AAPI-Künstler und -Kulturen feiern, müssen wir die Konversation das ganze Jahr über am Laufen halten. #AAPIAllYear. —John Ochoa, Chefredakteur von GRAMMY.com

Raveena – „Tweety“ Hayley Kiyoko – „Found My Friends“ – Jenn Velez, Herausgeberin von GRAMMY.com

ZHU ft. Yuna – „Sky Is Crying“ TOKiMONSTA ft. Yuna – „Don't Call Me“Lastlings – „No Time“Yaeji – „WAKING UP DOWN“

–Ana Monroy Yglesias, Herausgeberin von GRAMMY.com

ZHU spricht über neues Rave-fähiges Album DREAMLAND 2021, inspiriert von Hyphy-Musik und asiatischen Amerikanern, die endlich gehört werden

Fotos (LR): Kristy Sparow/Getty Images, Robert Gauthier / Los Angeles Times über Getty Images

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„Junge, geh auf die Knie, denn ich bin Madonna“, singt Madge auf „Vulgar“, ihrem neuen gemeinsamen Track mit Sam Smith.

Frisch nach „Unholy“, ihrer wunderbar schmutzigen Zusammenarbeit mit der kürzlich erstmaligen – und Geschichte schreibenden – GRAMMY-Gewinnerin Kim Petras, ist der fünffache GRAMMY-Gewinner Sam Smith zurück – jetzt mit einer gewissen siebenfachen GRAMMY-Gewinnerin der 80er-Jahre-Ikone neben ihnen.

Das ist richtig: Sam Smith hat sich mit Madonna – die sich suggestiv als solche ankündigt – für „Vulgar“ zusammengetan, einen verführerischen, elektronischen Knaller, der heute erscheint.

Der neu veröffentlichte gemeinsame Track lässt sich auf die GRAMMYs 2023 zurückführen, als Madonna – mit einer feurigen, herzlichen Rede – Smith und Petras vor ihrem provokanten Auftritt von „Unholy“ auf der GRAMMY-Bühne vorstellte. (Letzteres Paar gewann am selben Abend einen GRAMMY für das beste Pop-Duo/die beste Gruppenperformance für „Unholy“ und war damit der erste nicht-binäre und transgender Künstler, der diese GRAMMY-Kategorie gewann.) Unmittelbar danach erhielt Smith seinen fünften GRAMMY Award Hand nahm „Vulgar“ mit Madonna in einem Studio in Los Angeles auf.

Smith – der „Vulgar“ selbst zusammen mit ILYA für MXM Productions, Cirkut, Omer Fedi, Ryan Tedder, Jimmy Napes und Madonnas Gesangsproduzentin und Toningenieurin Lauren D'elia co-produzierte – veröffentlichte „Gloria“ zuletzt im Januar 2023.

Hören Sie sich die Playlist zum LGBTQIA+ Pride Month 2023 von GRAMMY.com mit Demi Lovato, Sam Smith, Kim Petras, Frank Ocean, Omar Apollo und mehr an

Foto: Mason Rose

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Auf ihrem ersten Album seit fünf Jahren tauscht Janelle Monáe eine Science-Fiction-Welt gegen ein üppiges Gefühl der Flucht. „The Age of Pleasure“ erscheint am 9. Juni und bietet eine Utopie sinnlicher und klanglicher Erkundung.

Seit ihrem Debütalbum „The ArchAndroid“ aus dem Jahr 2010 basiert Janelle Monáes Arbeit auf Komplexität.

Ob Monáe Science-Fiction-Welten aufbaut, die Afrofuturismus-Erzählung ihrer Cindi Mayweather-Figur fortsetzt oder das Konzept der amerikanischen Identität in Dirty Computer aus dem Jahr 2019 analysiert – das bei den GRAMMYs 2019 für das Album des Jahres nominiert wurde – sie fordert die Zuhörer auf, verschiedene Dinge zu verarbeiten Handlungsstränge und Konzepte.

Nun schüttelt Monáe mit ihrem vierten Studioalbum „The Age of Pleasure“ alle Erwartungen ab. Das am 9. Juni veröffentlichte 14-Track-Album verfolgt einen schlankeren Ansatz und schafft eine Flucht in etwas mehr als 30 Minuten. Die Künstlerin wirkt leichter, noch selbstbewusster und offen gesagt (wie man an ihrer fast nackten Werbekampagne sehen kann) bereit, wild zu werden.

„The Age of Pleasure“ ist Monáes erstes Album seit fünf Jahren und tauscht ihre früheren Warnungen vor KI-gesteuerten dystopischen Zukunftsaussichten gegen ein üppiges Paradies voller Reggae-Swing ein. Mit warmen Melodien und Texten, die für das Schlafzimmer (oder wo auch immer man Vergnügen genießt) gedacht sind, schafft das Album eine Utopie, in der alle willkommen sind.

„Ich denke, dass man als Künstler einsam wird“, sagte Monáe im Mai dem Rolling Stone. „Die meisten Leute verstehen nicht, was in meinem Gehirn vorgeht. Die Community hat mir so geholfen; es ist schön, dass ich einen Titel namens „The Age of Pleasure“ habe, weil er mich tatsächlich neu zentriert. Es geht nicht mehr um ein Album. Ich „Ich habe meinen gesamten Lebensstil verändert.“

​​Auf seiner Reise der Selbsterforschung finden Sie hier fünf Erkenntnisse aus Janelle Monáes neuem Album „The Age of Pleasure“.

Im Jahr 2018 teilte Monáe mit, dass sie pansexuell sei und sich letztes Jahr als nicht-binär geoutet habe (unter Verwendung der Pronomen „free-ass motherf—er, they/them, her/she“). Ihre Reise, mehr über ihre queere Identität zu entdecken (auf die in früheren Alben, insbesondere Dirty Computers Frauen-Empowerment-Hymne „Pynk“ angespielt wurde), umfasst The Age of Pleasure.

„Lipstick Lover“ ist eine verschwommene, Reggae-angehauchte Ode an den queeren Frauenblick („I just want to fühle a little Zunge, we don't have a long time“, drängt Monáe), während „The Rush“ einen vollständigen Orgasmus nachahmt mit einem gehauchten gesprochenen Wort der Schauspielerin Nia Long und einer frechen Strophe der ghanaisch-amerikanischen Sängerin Amaarae. Und dann ist da noch „Water Slide“, das die Lautsprecher mit kaum versteckten Anspielungen überflutet.

Die Idee des „Guilty Pleasure“ ist völlig frei von Schuldgefühlen. Hier gibt es weder Scham noch Tabu in Bezug auf sexuelle Handlungen oder das, was man als solche identifiziert.

Bei der Erstellung dieses Albums ließ sich Monáe von Partys inspirieren, die auf ihrem Anwesen Wondaland West in Los Angeles veranstaltet wurden. Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund waren willkommen und das Album feiert den Zusammenschluss der Gemeinschaften. Monáe rief Künstler aus der gesamten Diaspora – Ghana, Nigeria, Jamaika und dem schmutzigen Süden – dazu auf, Teil ihrer Utopie zu sein.

Fela Kutis Sohn Seun und seine Band Egypt 80 eröffnen das Album auf „Float“, Queer-Ikone Grace Jones verführt das Ohr mit dem französischsprachigen „Ooh La La“-Zwischenspiel, jamaikanische Dancehall-Legende Sister Nancy sorgt für Reggae-Authentizität „The French 75“. Das Endergebnis zeigt, dass in der kreativen Anzahl eine Macht steckt und es in der gesamten afrikanischen Diaspora klangliche Gemeinsamkeiten gibt.

Die Künstlerin ist in letzter Zeit völlig frei, von der Zurschaustellung ihrer Brüste auf roten Teppichen bis hin zum Tanzen auf Bars auf Afterpartys. Sie liebt jede Kurve ihres Körpers und dieses Selbstvertrauen strahlt auf „The Age of Pleasure“ aus. Das kommt am besten auf „Phenomenal“ zum Ausdruck, wo Monáe und Rapper Doechii übermütige Zeilen auf einem köstlich verrückten Beat austauschen, der südafrikanisches Amapiano mit der New Yorker Ballsaalkultur verbindet. „Ich schaue mir tausend Versionen von mir selbst an und uns allen geht es verdammt gut“, sinniert Monáe mehr als einmal.

Sie möchte nicht, dass Sie vergessen, wie gut sie aussieht, und möchte, dass jeder das gleiche Gefühl für sich selbst hat. Der Satz „Ich bin jung und ich bin schwarz und ich bin wild“ auf „Haute“ lässt sich besser als Bestätigung vor dem Spiegel verdauen.

Vergnügen lässt sich am besten in der brütenden Hitze genießen, daher macht es nur Sinn, dass der Künstler dieses Album an der Schwelle zum Sommer veröffentlicht hat. Ihr Musikvideo „Lipstick Lover“ ist ein hedonistischer Traum, in dem queere Frauen und Femmes die Gesellschaft (und Körperteile) des anderen auf einer schweißtreibenden Poolparty an der Westküste genießen.

Das Album-Highlight „Only Have Eyes 42“ zwinkert der Polyamorie zu und seine verträumte Variante des Doo-Wop-Klassikers der Flamingos aus dem Jahr 1959 lässt sich am besten mit einem Red Stripe-Bier und Sand unter den Füßen servieren. Egal, ob Sie das Plätschern der Wellen auf einer Karibikinsel genießen oder die Sonnenstrahlen in Ihrem Garten genießen, „The Age of Pleasure“ ist der Treibstoff für Ihr eigenes Fest.

Als Mentee des verstorbenen Prinzen ist Janelle Monáe eine Meisterin des Funk. Während sie beim Album-Opener mit „No I'm not the same“ prahlt, schimmern Teile von Monáes vorherigem Sound aufgeregt durch.

Ihre Diskografie ist voll von Dancefloor-Jams und The Age of Pleasure hält die Party mit einer nahtlosen Fusion aus Rap, R&B und Funk am Laufen. Dennoch ist die Erforschung neuer Sounds wie Reggae, Dancehall, Amapiano und Afrobeats ein Nervenkitzel.

Von den triumphalen Bläsern bei „Float“ bis zum elektrischen Groove von „Champagne S—“ schreit das Album geradezu nach einer Live-Wiedergabe. Zufällig begibt sich Monáe auf eine Nordamerika-Tournee. Es beginnt am 30. August in Seattle und sorgt bis zum 18. Oktober in Inglewood, Kalifornien für gute Stimmung.

Die Entwicklung der Queer-Hymne: Von Judy Garland bis Lady Gaga und Lil Nas X

Foto: Jason LaVeris/FilmMagic

Video

Beyoncé konnte bei ihrer Dankesrede bei den 57. jährlichen GRAMMY Awards nicht anders, als ein paar besondere Menschen in ihrem Leben zu loben, wo „Drunk in Love“ den Preis für den besten R&B-Song mit nach Hause nahm.

Vor fast einem Jahrzehnt veröffentlichte Beyoncé unerwartet ihr selbstbetiteltes Studioalbum. Dem Album wird nicht nur zugeschrieben, dass es das Konzept eines Überraschungs-Drops populär gemacht und neue Musikveröffentlichungen von Dienstag auf Freitag verschoben hat, sondern es hat auch das moderne visuelle Album erfunden.

Um sein Vermächtnis zu würdigen, holte Beyoncé dem Superstar im Jahr 2015 drei weitere GRAMMYs. In dieser Folge von GRAMMY Rewind erleben Sie noch einmal, wie Beyoncé für eine der vielen Chart-Top-Singles ihres branchenverändernden Albums „Drunk in Love“ den Preis für die beste R&B-Performance gewann. "

In ihrer kurzen, aber prägnanten Rede lobte sie einige besondere Menschen in ihrem Leben: „Ich möchte Gott danken. Das war so ein unglaubliches Jahr“, strahlte sie. „Mein geliebter Ehemann, ich liebe dich sehr. Meine Tochter, die zuschaut, Blue – ich liebe dich.“

Bevor Beyoncé die Bühne verließ, schloss Beyoncé ihre Rede mit einem Dank an ihre treue Fangemeinde, die Beyhive. „Vielen Dank, dass ihr so ​​hart gefahren seid“, verkündete sie.

„Drunk in Love“ gewann an diesem Abend außerdem den Preis für die beste R&B-Performance, und Beyoncés selbstbetiteltes Album aus dem Jahr 2014 gewann den Preis für das beste Surround-Sound-Album.

Klicken Sie im Video oben auf „Play“, um Beyoncés bescheidene Dankesrede für „Drunk in Love“ bei den GRAMMY Awards 2015 anzusehen, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere neue Folgen von GRAMMY Rewind.

Die Entwicklung der Queer-Hymne: Von Judy Garland bis Lady Gaga und Lil Nas X